miércoles, 28 de diciembre de 2011

Arnulf Rainer: Trazos, impulsos y abstracción.

Arnulf Rainer, pintor austriaco, (Baden, Austria, 8 de Diciembre de 1929). Formado en el Instituto nacional de política de Traiskirchen durante los primeros años de la década de los cuarenta. Tiene su primer contacto directo con el mundo del arte al visitar en 1947, la exposición de arte contemporáneo internacional del British Council en Klagernfurt. Lugar donde entra en contacto con la obra de Francis Bacon o Henry Moore, entre otros. Figuras clave para su evolución pictórica posterior.
Por petición familiar, ingresa en la Escuela Industrial del Estado en Villach donde cursa estudios hasta 1949. Posteriormente, admitido en la Universidad de Bellas Artes de Viena, decide abandonarla tan sólo un día después debido a una polémica surgida con el artista asistente Korunka. En seguida, se incorpora a la Academia de Bellas Artes de Viena, donde de igual manera, pero esta vez por ser consideradas sus obras como degeneradas, deja las clases tres días después de aprobar el examen de acceso a la misma.
Imbuido e influido por las corrientes surrealistas, al inicio de los años cincuenta, junto con Lehmden Anton, Arik Brauer, Wolfgang Hollegham, Mikl Josef y Prachensky Marcos constituye el denominado grupo de perros (Hundsgruppe), el cual expone en 1951( por única vez) en las instalaciones de la sociedad vienesa de la ciencia y el arte. Finalizada la muestra, aparca su interés por el surrealismo fantástico y comienza a experimentar con el tratamiento de las microestructuras y la destrucción de la forma (en gran medida consecuencia de su predilección por la abstracción gestual de Jason Pollock, Georges Mathie o Wols) con repintes y máscaras sobre fotografías e ilustraciones, pinturas recubiertas así las llamaban algunos. Dando como resultado su serie: "Imágenes de la destrucción".

Rainer por Marko Lipus.
Un año más adelante, en marzo de 1952 presenta su primera exposición a título individual en las salas de Franck en Frankfurt. Sin embargo, es a partir de los años sesenta cuando entre sus diversos estudios localizados en: Colonia, Berlín o Munich, expresa de manera concreta su fascinación por el cuerpo con su serie de Autoexpresiones o Autorrepresentaciones, donde Rainer recorre con gruesos trazos sus autorretratos fotográficos, como se pone de manifiesto en su magnífica y célebre serie: Farce Faces de 1969 a 1975. Laureado en multitud de ocasiones, la concesión de los siguientes galardones atestiguan el notable valor de sus trabajos: Premio del Estado Austriaco de 1966, Premio de Arte de la ciudad de Viena de 1974, la obtención de la cátedra de Bellas Artes de Viena en 1981, Premio internacional del centro de fotografía de Nueva York en 1989, etc. Asimismo, el prestigio alcanzado a lo largo de su trayectoria se pone de manifiesto  con la exposición de su obra en certámenes y museos de medio mundo: La bienal de Venecia de 1978, Centro George Pompidou de París en 1984, Museo R. Guggenheim de Nueva York en 1989, La 23 Bienal de Sao Paulo en 1996, Museo Stedelijk de Amsterdam en 2000,...
Como curiosidad apuntar que la Academia de Bellas Artes de San Fernando, expuso las series que Rainer entre 1983 y 2005 centró en la figura y legado de Francisco de Goya, como se plasma en este enlace


Braids, (1966).



Christus, (1969).


Algunas de las obras de la Serie: Farce Faces, (1969-1975).









Body Language, (1976).


Junto a Dieter Roth.


En compañía de Nikolaus Harnoncourt.


jueves, 22 de diciembre de 2011

M.C.Escher: Grabados en otra dimensión.

Maurits Cornelis Escher, más conocido como M.C. Escher, grabador y artista holandés, (Leeuwarden, Holanda, 17 de Junio de 1898- Hilversum, Países Bajos,27 de Marzo de 1972). Establecido junto a su familia en la ciudad de Arnhem, cursa estudios primarios y secundarios en la escuela de dicha localidad. Pésimo estudiante, tan sólo obtiene una calificación sobresaliente en arte, llamando poderosamente la atención de su profesor: F.W. van der Haagen, el cual le enseña como hacer grabados con linóleo. Sin embargo, pese a asistir a las clases nunca se graduó. Amigo desde 1913 de: Bas Kist, fue éste quien quizás incentivo en Escher un gusto manifiesto por la técnica de la impresión y una puesta en práctica de sus conocimientos en linóleo. Con posterioridad, fijada su residencia a partir de 1917 en Oosterbeek ( Holanda), da rienda suelta, de manera temporal, libre y autodidacta, a su predilección por escribir poesía y ensayos. No obstante, será un año después cuando intenta completar estudios académicos al ingresar en La Escuela Superior de Tecnología de Delf. Formación, de igual manera, que no completó ahora debido a su delicado estado de salud. Si bien, éste periodo no puede resumirse en su nefasta experiencia académica, ya que la multitud de grabados realizados en madera le comienzan a reportan un creciente reconocimiento profesional y cierta celebridad.
Además, todavía continúa con su apego al aprendizaje e inicia estudios en La Escuela de Arquitectura y Artes Decorativas de Haarlem en compañía del artista Jessurun de Mesquita, quien le muestra la técnica de la xilografía y representa una intensa influencia en su futura evolución. A comienzos de los años veinte, en Abril de1922, decide mudarse a tierras italianas junto a dos amigos, y aunque estos retornaron a Holanda sólo dos semanas después, Escher permaneció hasta Junio plasmando de forma incansable y magistral los ambientes de Volterra y Siena. Amante de los viajes y con espíritu dispuesto a la aventura, escasos tiempo después, recorre España con la visita incluida al Museo del Prado o la Alhambra granadina y la mezquita de Córdoba junto a su exquisita decoración árabe. Atraído por el mediterráneo, regresa a Italia, y pasa a vivir en la ciudad de Siena (Lugar en el contrajo matrimonio con su mujer, Jetta Umiker), donde radica hasta comprarse una vivienda en Roma y domiciliar su residencia familiar.

Autorretrato, (1929).
Incansable trabajador, a mediados de la década, el  prestigio otorgado a su trabajo comienza a traducirse en un logro significativo a nivel nacional  con la exposición en varias galerías del país o la compra, más adelante, por parte del Rijkmuseum de Amsterdam de 26 de sus grabados en 1933. De igual modo, tras conseguir el tercer premio de la exposición de grabado contemporáneo en Instituto de Arte de Chicago, se puede dar por inaugurado su notoriedad a escala mundial.
De nuevo cambia de residencia en 1935, esta vez se ancla en Chauteu-d´Odex (Suiza), e intercala su vida familiar con viajes por el sur de Europa y la realización de diversas litografías a buques en alta mar (Viajó gratis como pasajero en un mercante, a cambio de inmortalizar esta realidad).

En Febrero de 1941, se muda a Baarn (Holanda) junto a su esposa y los dos hijos en común.; lugar en el que permanece el matrimonio hasta su regreso a Suiza en 1968 de manera definitiva. En 1950, su fama tras repetidas exhiciones de su producción por gran parte de Europa, parece consolidarse "más allá del charco" al aparecer críticas excelente a su talento en las revistas norteamericana: Time y Life. Artículos y valor añadido, en buena medida responsables de su primera exposición individual en Estados Unidos. Asimismo, mientras aumentaba progresivamente su reputación por América, en su país natal le encargan un mural para la ciudad de Utrecht.

Centrado en la forma de expresar " el infinito dentro de los límites de la impresión", despertó un firme interés dentro de los círculos científicos y matemáticos, hecho que significó su participación como ponente en multitud de conferencias tales como la acontecida en la reunión internacional de cristalografía (Londres, 1959), acerca de la simetría. No en vano, según sus palabras: La "forma plana" me irrita - siento como si estuviera gritando a mis figuras: "Tú eres demasiado ficticias para mí, que se quedan ahí estáticas y congeladas juntas; hacer algo, salir de allí y me muestran lo que son capaces de hacer!.
 Activo hasta sus últimos días, (ingreso en una residencia para artistas desde 1970, donde incluso pudo tener su propio taller), falleció a los 73 años de edad. 
Autor de universos irreales a años luz de la usual mirada del espectador, mago de siluetas, contornos y perspectivas, la suya fue una carrera sensacional e impregnada a base de trabajos en la cultura popular. De De hecho, cerca de medio millar de litografías, varios miles de dibujos o su presencia en incontables publicaciones, series,...le conceden su legado la categoría de capital. 



Autorretrato, (1919). 
 

Retrato de un hombre, (1920).


Castillo en el aire, (1928).


Corte, Corsica, (1929).


Naturaleza muerta con espejo, (1934).


Mano con esfera reflectante, (1935).


Naturaleza muerta con calle, (1936).

Hormiga, (1943).

Reptiles, (1943).


Balcón, (1945).


Ojo, (1946).


Manos dibujando, (1948).


Relatividad, (1953).


Rind, (1955).


Bond of Union, (1956).


Serpientes, (1969).

martes, 20 de diciembre de 2011

Maxime du Camp y el Egipto de 1850.

Maxime du Camp, escritor y fotógrafo francés, (París, 8 de Febrero de 1822- Baden, 8 de Febrero de 1894). Amigo íntimo del genial novelista Gustave Flauvert, fue en su compañía con quien realizó su legendaria y novedosa expedición. Un periplo por el cercano oriente, concedido por el Ministerio de Educación galo y tras recibir clases en el estudio fotográfico de Gustave Le Gray, convertido en una aventura por yacimientos arqueológicos aún sin fotografiar. Nubia, Palestina, Siria y en especial Egipto, pasaron a través de su objetivo en un total de 220 imágenes (de las cuales 125 fueron impresas mediante la técnica de Louis-Désire Blanquard-Evard), constituyendo la primera obra fotográfica de importancia publicada en su Francia natal.
Miembro de la Academia francesa y fundador de la Revista de París, su obra literaria mucho más discreta que la de Flauvert queda resumida fundamentalmente en: "Paris, ses organes, ses functions et sa vie dans la seconde moitié du XIX siecle" de 1870 y "Souvenirs" en 1882.
Como curiosidad apuntar que es considerado el primer hombre que fotografió la esfinge egipcia.

Nota: la extensión de la entrada obedece al escaso protagonismo concedido a la biografía del autor.

Serie: Abu Simbel, 1850.  






La esfinge y la pirámide de Gizeh, 1850. 


Peristílo del palacio de Ramsés, 1850.


miércoles, 14 de diciembre de 2011

Jean Delville: Simbolismo y ciencias ocultas.

Autorretrato, 1944.
Jean Delville, escritor, pintor y artista decorativo belga, (Louvain, 19 de enero de 1867-Forest, Bruselas, 1953). Formado académicamente en La Escuela de Bellas Artes de Bruselas en compañía de Eugéne Laermans o Víctor Horta, expone por primera vez y de manera simultánea a sus estudios a la edad de veinte años. No obstante, en esta época comienza a mostrar una creciente pasión por las denominadas ciencias ocultas, ocultismo,... dando un giro sustancial a su temática. Un cambio e interés que adquiere solidez cuando se traslada a París, allá por 1889, y entra en contacto con el ocultista Joséphin Péladam (descendiente de magos persas, según sus palabras), fundador del Círculo Rosa-Cruz y en el cual Delville expondrá repetidas veces entre 1892 y 1895. Influido por el Renacimiento italiano, autores tales como: Rafael, Leonardo o Miguel Ángel, resultaron esenciales en la conformación de su estilo personal.

Asimismo, brillante en el manejo de la pluma. Los temas del idealismo, esoterismo, alegorías o la cábala son estandartes y férreas convicciones plasmadas, entre otros, en su libro: "Diálogo entre nosotros. Argumentación cabalística, ocultista, idealista." de 1895 e inmortalizadas en gran parte de su obra pictórica. De esta manera, la extensa relación de ideas ocultistas escritas, es decir: la creencia en la reencarnación, la existencia de un fluido divino en los cuerpos, en el éxtasis o la telepatía, están directamente relacionadas de forma evidente con toda su obra y explícitamente manifestadas en dos de sus trabajos más célebres: El ángel del esplendor y Los tesoros de Satán.
Profesor en la Escuela de Bellas Artes de Glasgow de 1900 a 1905, y director de La Academia de Bellas Artes de Bruselas hasta 1937, obtuvo un reconocimiento en vida, pronto relegado al olvido durante décadas. Sin embargo, en la actualidad, su obra de nuevo valorada, ha recuperado el vigor que en ningún momento debió perder. La de un artista imprescindible, y defensor de una concepción del arte que para muchos es necesario reivindicar: " El arte, lo es, si confluyen tres factores: la belleza espiritual, la belleza plástica y la belleza técnica."


Parsifal, (1890).


Retrato de Mrs. Stuart Merill, (1892).


Orpheus, (1893).


Fin de una era, (1893).


El ángel del esplendor, (1894).


Los tesoros de Satán, (1895).


El amor de las almas, (1900).


Prometheus, (1907).


La ley moral, (1914).

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