domingo, 31 de julio de 2011

Liu Bolin: El artista invisible.

Liu Bolin, pintor y autor plástico chino, (Shandong, 1973). Estudio en el Instituto de Bellas Artes de Shandong, donde obtiene su licenciatura en 1995. Adquirida una sólida formación teórica, basa sus trabajos en una singular estética, tratamiento de las texturas y juego visual que convierten su obra en la del más perfecto camaleón. De hecho, su cuerpo mimetizado en el entorno consigue camuflar al completo la apariencia del artista, convertido en parte central de una recreación precisa y ensayada que escapa con facilidad a la mirada fugaz del espectador. Maestro en el dominio de las luces, los enfoques y el color, tal es la perfección en el acabado de sus "paisajes" que incluso algunas voces han puesto en duda su autenticidad y aluden a un uso encubierto de las técnicas digitales (El video al final de la entrada pone de manifiesto el inmenso talento real de Liu).

A lo largo de su trayectoria ha expuesto en gran parte de China, así como en La Exposición de Arte Contemporáneo de Paris (2006), en Palermo (Italia) dentro de un ciclo de Arte Contemporáneo Chino (2007), en Nueva York bajo el título, La China Moderna: pérdida en la transición (2007), La Exposición de Arte Contemporáneo Chino en Liverpool (2008), Escondido en la ciudad en Caracas (Venezuela, 2010) o en Estocolmo (Suecia, 2011). Actualmente la Galeria París- Beijing (Beijing), lleva a cabo una exhibición desde el 18 de Junio hasta hoy 31 de Julio de 2011, todavía están a tiempo de visitarla.






















Campaña: No me ignores, realizada por Liu para Unicef en 2009.




Video de Liu en pleno proceso creativo.

jueves, 14 de julio de 2011

Robert Mapplethorpe: Maestro de la provocación.

Autorretrato (1975).
Robert Mapplethorpe, fotógrafo estadounidense, (Queens, Nueva York, 1946- Nueva York, 1989). Formado desde comienzos y hasta finales de los sesenta (1963-1969) en pintura, escultura, dibujo y diseño publicitario dentro del Pratt Institute de Brooklyn. Sus conocimientos teóricos y capacidad para la innovación pronto le permitieron utilizar pintura en spray o las técnicas del recorte sobre páginas de libros o semanarios para elaborar un arte personal. Introducido durante el mismo periodo en la escena underground neoyorkina como atestigua su participación en diversas películas con estética similar, conjuga su talento artístico con un trabajo como escaparatista en una tienda infantil de la ciudad. Posteriormente coincidiendo con el inicio de la nueva década, da salida a su enorme capacidad para la creación y aprende a utilizar por primera vez una cámara fotográfica, una polaroid. Experiencia novedosa, que sumada a sus extraordinarias aptitudes le permiten dar rienda suelta a gran parte de su potencial. De esta manera, experimenta con collages (pasando desde la temática religiosa a la pura estética porno sacada de revistas del género), se dedica al diseño de joyas (esta vez en 1969) y sobre desata su pasión por la fotografía de una manera autodidacta. Autorretratos, retratos, escenas cargadas de erotismo o el universo de las flores, son sus temas centrales.
"No hay que olvidar que por aquel entonces no sabía nada de fotografía. Digamos que tenía mi forma de ver las cosas. Creo que fue una ventaja que me iniciara en la fotografía sin saber demasiado de ella. Sin pensar. Creo que uno de los problemas de los fotógrafos de hoy día es que no tienen su propia visión, sino la del resto de la gente", declaraciones de Robert Mapplethorpe en 1987.

Autorretrato (1980).
En 1973, expone por primera vez en solitario en la galería Light de Nueva York, lugar donde entra en contacto con Andy Warhol. A mediados de los setenta cambia de objetivo y pasa a utilizar cámaras de mayor formato y una Hasselblad, además presenta sus primeras fotografías a color. Amplia sus horizontes artísticos y recoge en sus trabajos modelos, multitud de hombres de condición homosexual, músicos o estrellas del porno, conformando un espectro no limitado exclusivamente a los autorretratos o a su amiga, la rockera Patti Smith. De hecho la obra de Mapplethorpe, es recordada y reconocida por su tratamiento polémico y exhaustivo de la realidad homosexual y la erótica del desnudo masculino. Hecho que generó, y aún, según que ámbitos puede generar admiración, desprecio o prejuicios a partes iguales. "Creo que las fotos relacionadas con la sexualidad son, probablemente, las más fuertes que he hecho. Son las fotos que la gente recuerda más, porque son únicas. También sobresalen del resto porque representan un sentimiento sexual interno. Son más intensas, si bien no creo que sean más importantes que el resto de mis fotos", dijo Mapplethorpe.

Autorretrato (1988).
En 1978, se embarca en la filmación del largo en Blanco y negro: Still Moving/Patti Smith. Dos años después, en 1980, dispone una serie de retratos y estudios de anatomía sobre la primera campeona mundial de culturismo, Lisa Lyon. Relación profesional que posteriormente tendrá su continuidad y repetición al presentar la obra: Lady Lisa Lyon o la película Lisa Lyon en 1984. En esta década, asimismo, explora con técnicas y procedimientos antes no utilizados como el del fotograbado, el uso de transparencias de colores sobre papeles estables, la impresión de grabado en lino o el fotograbado en seda. Mostrando un interés notable en este último periodo por las naturalezas muertas, en lo que a la representación de las flores y a lo que su simbología se refiere.
Abiertamente gay, contrae el SIDA en 1986, en 1988 crea la fundación Robert Mapplethorpe para la investigación médica del sida y fomento del arte de la fotografía. Además ese mismo año contempla la que fue la primera retrospectiva de su carrera en el Whitney Museum of American Art of  Nueva York. En 1989 fallece a causa de dicha enfermedad.


Robert and Patti (1969).

Diana (1970).


Patti Smith (1976).


Arnold (1976).



Deborah Harry (1978).

Serie de cinco fotografías del año 1980 con la culturista Lisa Lyon como protagonista.








 Hombre con traje de poliéster (1980).


Ajjito (1980).


 Ada (1982).


Jill Chapman and Ken Moody (1983).


Derrick Cross (1983).


Ken Moody and Robert Sherman (1984).


Ken, Lydia and Tyler, 1985.


Andy Warhol (1986).


Thomas (1987).


Lydia Cheng (1987).


Grace Jones (1988).


Sonia and Tracy (1988).


miércoles, 13 de julio de 2011

Dorothea Lange: Retrato de una crisis.

Dorothea Lange, fotógrafa norteamericana (Hoboken, New Jersey, 25 de Mayo de 1895- Marin County, San Francisco,California, 11 de Octubre de 1965). Dedicada al mundo de la fotografía de manera profesional con tan sólo 18 años desde 1913, será con posterioridad en la Training School for Teachers de Nueva York donde completará su formación en el periodo (1914-1917). De igual manera compaginará sus estudios académicos con la puesta en práctica de sus habilidades participando como ayudante en varios estudios de fotografía como el de Arnold Genthe en el mismo N. York. De ahí pasa a trabajar en los almacenes Marsh´s Dry Goods and Photo Supply Store en San Francisco, hasta que de 1919 a 1934 se sitúa como fotógrafa independiente con estudio propio en la citada ciudad. Un año después fija su residencia en Berkeley (California) y contrae matrimonio con el economista Paul Schuster Taylor, (en segundas nupcias, tras haber estado casada desde 1920 con el pintor Maynard Dixon y con el cual tenía dos hijos en común) colaborando a partir de este momento con la California Rural Rehabilitation Administration y más adelante en la Farm Security Administration. Proyecto, éste último, desde el cual le fueron encargados  la realización de multitud reportajes por la administración a fin de reflejar las consecuencias de la recesión económica de la década de los treinta. De esta manera, el gobierno estadounidense con el presidente Franklin D. Rooselvelt otorgó a un grupo reducido y selecto de fotógrafos la responsabilidad de plasmar con sus objetivos la miseria de quienes no se acogían o beneficiaban de las políticas del llamado New Deal.

En consecuencia, a partir de 1935 y hasta 1940, fue invitada a participar junto con otros fotógrafos tales como Walker Evans en dicho propuesta con el objetivo de para ofrecer  un recorrido en imágenes por la geografía norteamericana que permitiera al público en general tener constancia de la situación crítica por la que atravesaba la nación esencialmente en el medio rural.
Dos niños estadounidenses de origen japonés (Nisei)
De hecho, la repercusión de su obra a lo largo de estos cinco años causó un impacto de proporciones colosales en la conciencia colectiva estadounidense. La imagen más trágica de América quedo expuesta sin artificios y vacía de fingidas composturas, en un ejercicio comprometido y destinado a la mejora de una sociedad con el suficiente espíritu de lucha y sobrada de confianza para poder cambiar la realidad. Por ello, su lente escapa del drama, la piedad o el fracaso, y se dirige hacía la comprometida batalla por la superación. "Si pierdes tu coraje, pierdes lo más valioso que hay en ti, todo lo que te queda para sobrevivir", afirmaba Lange. Asimismo a finales de esta década, en 1939, publica junto a su marido el libro: "A american Exodus, A record of Human Erosion". Una recopilación de imágenes comentadas que intentan mostrar un profundo análisis de las secuelas latentes y duraderas provocadas por el éxodo migratorio en el interior del país.
Ya a mediados de los cuarenta (1945), es contratada para llevar a cabo un reportaje en torno a los llamados Nisei (estadounidenses de origen japonés) recluidos en diversos campamentos nacionales. Documento, no obstante, que fue censurado al poner de manifiesto las miserables condiciones y trato vejatorio al que fueron sometidos en su traslado como en los campos donde se les recluyó.

Lange en los años sesenta
Su siguiente etapa profesional, intercala sus trabajos para revistas en Latinoamérica, Asia y Oriente Próximo con una investigación del sistema judicial en el estado de California. Tras diagnosticársele cáncer en 1964, fallece tan sólo un año dejando como legado más de 25000 negativos y dejando organizada una exposición retrospectiva de toda su carrera el prestigioso MOMA de Nueva York.

Considerada como una de las mayores fotógrafas del pasado siglo XX, nadie mejor que ella capturó la esencia de un país agonizante y resquebrajado por una asfisiante crisis económica y social de proporciones inauditas, que a punto estuvo hacerlo navegar a la deriva. Recuerdo y paralelismos con la actual recesión mundial, a la vista resultan cuanto menos semejantes, gracias a un magnífico recorrido en imágenes legado por la genial mirada de Lange, sin duda acertada en su decisión: "Un día cualquiera decidí que iba a ser fotógrafa. Haría fotografías sencillas de la gente, empezando por las personas que conocía. Nunca había tenido una cámara, pero eso era lo que quería hacer"



Secuencia de la fotografía titulada: Migrant Mother, Nipomo, California (1936). También conocida como la madre temporera o trabajadora.

"La mujer cuyo nombre Lange, no anotó (aunque se tiene constancia que era Florence Owens Thompson), tenía treinta y dos años y vivía con sus dos hijos en una tienda de campaña adosada a otra edificación. Acababa de vender los neumáticos de su automóvil para comprar comida, y admitió que su familia vivía de verduras heladas de los campos y de los pájaros cazados por los niños. Esta es una de las fotografías más famosas de la historia". (Fuente: El ABC de la fotografía, Phaidon Press, 2000)






La misma fotografía coloreada: 




Cultivo en Houme, Alabama (1937).


Madre con su hijo o El biberón de botella de Coca-Cola (1939)


Jornaleros (1937).


La mujer de los altiplanos, Texas (1938)


Las colas del paro (1938).


Mujer de Arkansas (1938).


Niños en la escuela de Lincoln Bench, Oregon (1939)


Recogedor de algodón itinerante, Alabama. (1940).


Sin título (1935).


Starting over (Comienza de nuevo, 1935).


FSA Rehabilitation clients (1939).


Modesto Skid Road en San Francisco (1937).


Mano de obra en una plantación de algodón. Greene County, Georgia (1937)


Niños que viven en la ciudad de Oklahoma (1936).


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